Este creativo latino creo la Lotería Millenial, una versión más contemporánea del clásico juego pero con un tono irónico que nos encanta.

Mike Alfaro, un guatemalteco radicado en Estados Unidos decidió darle un toque refrescante (y un tanto sarcástico) al clásico juego mexicano y creó la Lotería Millennial, la cual muestra las mismas ilustraciones pero retituladas de tal manera que se acercan a temáticas actuales o situaciones contemporáneas. Incluso modificó algunos dibujos para adaptarlos mejor.

La lotería clásica tiene sus orígenes en 1400 en Italia y se propagó por todo Europa, durante la colonia (1769) llega a México, pero era exclusiva de la aristocracia, en la época de la lucha independentista (1810-1821) se convirtió en un pasatiempo para los soldados, por lo que se extendió por todo el territorio. La iconografía actualmente conocida fue traída por Clemente Jacques (¿te suena familiar?) de Francia en el siglo XIX, un empresario que exportó diversos artículos de Europa, incluyendo confeti, naipes, corchos para botella, municiones, tarjetas de invitación, y por supuesto alimentos enlatados.

La versión que conocemos popularmente hoy tiene 54 cartas (que corresponden a cada ilustración) y un número indefinido de tarjetones dividido en 16 dibujos. En la lotería millennial son 46 las cartas que presentan una reconcepción de los términos y sí deseas adquirir una versión impresa, puedes hacerlo en Amazon.

El objetivo de estas reinterpretaciones, de acuerdo al propio Alfaro es “combatir los estereotipos hispanos obsoletos y brindar una representación más moderna y relevante de los hispanoamericanos y su vida cotidiana. Este juego de cartas reinventa a La Dama como La Feminista, El Catrín como El Hipster y Las Jaras como La Hashtag”.

Fendi es una casa de moda creada inicialmente por Adele Casagrande en Roma en 1918, consistía en productos de lujo realizados con piel y cuero; cuando se casó con Edoardo Fendi, en 1925, la tienda adoptó el nombre de este y se transformó. El negocio fue heredado por las cinco hijas del matrimonio (Paola, Franca, Carla, Anna y Alda) y éstas decidieron darle un ajuste moderno a la marca, por lo que en 1925 contrataron a un joven diseñador, se trataba de Karl Lagerfeld.

Franco Savorelli sugirió a las hermanas que fuera Lagerfeld el elegido para refrescar los diseños de la marca, pues éste ya había trabajado para Pierre Balmain, Jean Patou y luego Chloé en París, y Krizia en Milán; éstas aceptaron y en 1965 comenzó la colaboración. “Yo tenía una visión moderna, así que me reuní con las cinco mujeres, ellas querían que hiciera una pequeña colección de pieles pero llevadas de otra manera, mirando hacia el futuro, se trataba de modernizar la tradición” declaró el modisto.

El estilo que estableció fue uno creativo, divertido e insolente, por lo que acuñó la expresión “fun furs” haciendo referencia a que las pieles podían reflejar diversión y elegancia al mismo tiempo. Debido a esa frase es que Karl diseñó la “Zucca” o la doble “F” que se volvería en el emblema de la marca de moda.

El éxito del logo de Fendi se debe a que no sólo fungía como símbolo, se convirtió en un monograma, emblema y un ícono representativo que al mismo tiempo aparentaban grecas latinas, lo que regresaba a la marca a sus orígenes italianos. Pronto fue utilizado en todos los diseños y actualmente representa uno de signos más importantes y representativos del mundo de la moda.

Estas son las retículas más usadas en el diseño editorial, representan una forma de organizar la información e imágenes de manera armoniosa para la lectura.

Las retículas son una estructura conformadas por líneas verticales y horizontales, éstas tienen el objetivo de ordenar coherentemente los elementos de un diseño editorial, tales como el título, subtítulo, sumario, imágenes, citas o ideas destacadas, pie de página o foto, etcétera. Éstas ayudan a que los datos sean procesados de manera más fácil, además de dar una lectura armoniosa al mismo tiempo que orientas al lector hacia donde dirigirse, la división geométrica de éstas deben ser cuidadas y precisas, por ello a continuación te mostramos los cinco tipos de retículas más usadas, aunque por supuesto puede variar de acuerdo a las necesidades.

Retícula de una columna: Esta estructura presenta una única hilera de información, esto para dar una continuidad y aprovechar al máximo el espacio en textos largos y persistentes. Posee márgenes amplios y evita que se pierda el punto de lectura, transmite calma y tranquilidad. Los libros o informes utilizan este tipo de retícula.

Retícula a dos columnas: Este tipo organiza la información en dos columnas, esto usualmente es con el objetivo de presentar datos subsecuentes enfrentados o textos con la información separada. La dimensiones pueden ser del mismo tamaño o si se necesita ser de diferente tamaño, se debe procurar que una sea el doble de ancho que la otra. Se usa frecuentemente en diccionarios o textos con definiciones.

Retícula de múltiples columnas: Este sistema es uno de las más utilizados, ofrece una flexibilidad y versatilidad amplia, puesto que se puede combinar e intercalar texto con imágenes u otros cuerpos, el número de columnas puede variar dependiendo, pero usualmente se mantiene en tres o cuatro, las cuales deben ser proporcionales. Si se tiene una gran cantidad de información se puede optar por un mayor número de columnas (los periódicos tienen hasta seis). Es fácil encontrarlas en revistas o folletos informativos.

Retícula modular: Esta estructura muestra módulos del mismo tamaño abarcados en todo el espacio, es más compleja pero gracias a su menor división del espacio permite dar más flexibilidad, movilidad y creatividad a los contenidos. Se puede ver en los diseños de anuncios, carteles o folletos cortos.

Sistema jerárquico: Como su nombre lo dice, tiene la finalidad de mostrar los contenidos de acuerdo a su importancia y relevancia, por ello es muy utilizado en sitios web o información digital, en lo que primero que se observa es lo que captará la atención.

En la actualidad casi todas las profesiones y servicios se adaptaron a los plataformas digitales, por lo que dentro del mundo de internet surgió el marketing digital como lo más relevante para ser visible dentro del mar de propuestas existentes. A su vez el diseño digital surgió como elemento fundamental para el éxito de dichos programas. Es decir, se abrió una nueva especialización en la disciplina de los diseñadores.

Una de las principales características del diseño digital es la constante actualización, dado que el mundo online evoluciona diariamente; los servicios, ideas, métodos e incluso especializaciones del diseño digital deben cambiar junto con las tendencias y mantenerse a la vanguardia, dado que el elemento visual debe ser más atractivo que los demás para captar la atención del cliente.

Por la razón anterior, otra de las características es el empirismo digital. Surge de la falta de carreras especializadas o procesos didácticos para el aprendizaje de dicha rama del diseño, por lo que se debe ser autodidacta pero a su vez dedicado al estudio de todo lo que sirva en dicha profesión.

Sobresalir se volvió indispensable en tanto los productos que son entregados a los clientes, como el ofrecimiento de tu trabajo en sí como diseñador digital, esto debido al aumento de competencia laboral y ofertas que reemplazan a los profesionales dedicados.

En complemento con lo anterior el acercamiento al marketing digital se volvió más estrecho de lo que la gente esperaba, combinar tácticas de mercadeo con diseños adecuados, así como el pensamiento en pro de las necesidades del cliente es indispensable para crear diseños digitales funcionales, útiles y de alto impacto.

El Diseño UX usualmente es visto como una ramificación del diseño digital, pero se convierte en el propio método ideal de dicha disciplina. Es decir, el diseño UX busca delinear, crear y esquematizar un sistema para tener la mejor experiencia de usuario dentro de los sitios web, algo en lo que centró su atención el marketing digital, por lo que no sólo basta realizar la experiencia en sí, sino cualquier diseño verlo bajo esta misma premisa ¿qué es lo que desea el consumidor? y ¿cuál es la mejor manera de satisfacerlo?

El diseño es una profesión con distintas ramas de especialización, como el diseño editorial, que se encarga de organizar y estructurar la información de manera conveniente para que los consumidores puedan “digerirla” de la mejor manera, es decir, ¿cómo debe ir formada una portada, qué contenido va primero en una hoja, dónde colocar la publicidad? etcétera. Con las nuevas tecnologías, éstos formatos se mudaron al mundo online, pero pronto se comprendió que el diseño editorial impreso y digital no pueden ser iguales.

Existen distintas características y requerimientos de cada una de las plataformas que obligan a adaptar los contenidos a su versión, es por eso que te damos una lista de las principales diferencias entre entre el diseño editorial impreso y  el digital.

1. El público: Entendamos que el target de los medios impresos no es el mismo que el digital, suele existir una diferencia generacional en la que las personas de mayor edad, se les dificulta la navegación por internet, por lo que los contenidos se distribuyen enfocados a jóvenes en las plataformas online y los tradicionales a la gente de sin acceso o interés en el internet.
2. Visualización: La presentación del impreso no es el mismo que el digital, el primero debe captar la atención del lector con información y presentarle fragmentos del resto del contenido que encontrará. En cambio el digital debe ser llamativo visualmente, para que éste permanezca en el sitio.
3. Distribución: Una de las diferencias más evidentes es la distribución del contenido, dado que las proporciones y las plataformas son distintas, el acomodo de la información también lo es, incluyendo la captación de ésta por parte del lector, por lo que no es lo mismo poner publicidad en equis parte de un medio impreso, que colocarlo en uno digital.
4. Modificable: Evidentemente cuando un diseño se plasma en papel es imposible realizar cambios, por lo que para empezar, en éste no pueden existir errores, en el digital (aunque en ningún caso es recomendable) se puede modificar el contenido aún cuando ya salió.
5. Interactividad o estático: Como parte del punto anterior, el diseño impreso tiene muy limitada la interacción con el consumidor, cosa que el digital es prácticamente vital crear esa actividad durante la permanencia del visitante.
6. Tamaño: El medio impreso guarda ciertas limitantes en cuanto espacio que no se pueden modificar, en cambio la extensión de un diseño editorial es prácticamente infinito.
7. Colores: Existe la gran diferencia entre como apreciamos un color en impreso y en digital, por lo que existen dos sistemas para cada uno, el CYMK y RGB respectivamente que ayudarán a “balancear” o encontrar el tono perfecto. En la primera opción el color debe ser sobrio e intransferible, en cuanto al segundo se percibe un viveza, que a su vez debe ser cuidada de no lastimar la visión.
8. Tipografía: Debido al tamaño y legibilidad, es posible que los medios digitales se permitan tipografías más fuera de lo común, en cambio los impresos deben conservar letras que sean fáciles de leer y no se confundan entre sí.
   

A medida que se conforma un perfil profesional, se crea un método de trabajo que combina procedimientos y  características en los proyectos que realizas, pero en ocasiones algunos clientes solicitan productos que sean únicos o que no tenga que no se parezca a algo que realizaste, en esos momentos es importante saber como renovar tu estilo de diseño para transformar tu material; esto incluso sirve cuando existe un bloqueo creativo y no sabes como variar tus obras, a continuación te damos cinco consejos para hacerlo.

Regresa a los clásicos:

Los estilos “vintage” son una fuente inagotable de inspiración, el Art Decó, Nouveau, Bauhaus, Gótico etcétera, puede ayudarte a crear diseños que retomen características o elementos como la tipografía, formas, texturas, entre otras.

Mezcla diferentes estilos:

Con lo anterior, podrás darte cuenta que crear un estilo nuevo es bastante sencillo si mezclas piezas de distintos, ojo no se trata de hacer una mezcolanza amorfa sin sentido, si no compaginar a la perfección los elementos y obtener algo innovador.

Sal de tu zona de confort:

Este tip te creará un sin fin de oportunidades y sólo debes intentar hacer lo contrario a lo usual, o sea que si tu estilo es minimalista, intenta crear algo detallado. Experimenta con pequeños cambios en tus procedimientos y poco a poco notarás la gran vuelta que se refleja.

Cambia las tipografías:

Así de sencillo como suena, cambiar un elemento habitual como las fuentes utilizadas, le dará un giro inesperado. Recuerda que la tipografía siempre debe ser armonioso con el resto del diseño, así que no por innovar crearás algo ilegible.

Revisa las tendencias:

Hemos hablado de los pros y contras de usar las tendencias, si es exitoso por su viralización o igualmente fugaz, debes reconocer para qué lo quieres y en qué circunstancias y así descubrir si las tendencias sirven para tu diseño. O aunque te decidas por no usarlas, siempre te servirán como un comparativo entre lo clásico y lo actual, en ese hueco tal vez encuentres la solución.

El libro ProtoThinking, Pensamiento de Diseño en Acción de Nelson Martínez, es una guía perfecta para aterrizar las ideas y propuestas y transformarlos en proyectos innovadores, este paso normalmente es un abismo entre una concepción de algo y su realización definitiva, es decir, que en ocasiones por no plantear los proyectos de manera adecuada es posible que se pierda entre un vago deseo solamente.

Este libro tiene aplicación en el campo personal, profesional, académico y en las organizaciones. Luego de leerlo podrás crear un prototipo para concretar la innovación y beneficio de la propuesta de valor.

Esta basada en los focos de acción y fases del Design Thinking, esta guía tiene una fuerte apuesta en el prototipo y maneja las premisas de considerar todo producto; servicio o estrategia como un prototipo; pensar con las manos. ¡manipular el entorno!; cuestionar las imágenes, los objetos y los supuestos; y evaluar la percepción del usuario en todo sentido, todo eso como estandarte para su desarrollo.

El cartel es uno de los medios por el cual se puede llegar a impactar y llamar la atención del público a través de una composición de imágenes y palabras.

Un buen cartel es aquel que logra cautivar al público y persuadirlos a la compra. El propósito principal de un cartel publicitario es informar, presentar y hacer recordar la marca y el producto al consumidor con un mensaje que los cautive.

Para que que un cartel sea impactante y memorable de contar con ciertas características. A continuación te presentamos 5 estrategias para crear un cartel que genere miradas:

1.- Adaptar los contenidos al público dirigido:
Al realizar un cartel debes asegurarte de saber que tipo de público lo va a ver o a quien estará dirigido. No se puede crear un cartel sin saber al segmento de mercado al que se va a presentar. Si es un cartel que se enfoca en atraer la atención de niños, se debe procurar utilizar colores llamativos y que den vida a la imagen. Si el cartel va dirigido para mujeres, se procura utilizar colores claros como el blanco o rosa palo. Si el cartel va dirigido para hombre emplea el uso colores oscuros o brillantes como rojo o cafés.

2.- Usar imágenes modernas y nunca antes vistas
Usar ilustraciones o fotografías, o mezclar ambas, puede generar un impacto mayor en el público. El crear contenido totalmente de 0 es un punto a favor para todo diseñador. El cartel debe de trasmitir un mensaje no solo con palabras, las imágenes siempre aumentaran el numero de vistas y harán sentir vivo el cartel.

3.- Hacer uso de los valores
El consumidor siempre va a preferir un cartel que transmita un mensaje positivo y que le mueva. Este tipo de mensajes tienen que ser muy bien pensados y transmitidos, ya que si no se hace de forma correcta puede llegar a causar indignación y tomarse como una falta de respeto.

4.- Utilizar imágenes que vendan
Hay imágenes que venden por si solas y sin necesidad de poner un gran contexto de por medio. A las personas les atrae lo “prohibido”, siempre y cuando no sea excesiva o insulte de manera directa a alguien.

5.- Mensaje breve y sencillo
El slogan de la campaña puede hacer trabajar por si solo a un cartel, éste debe ser fácil de leer, entendible y breve. El diseño y tamaño de la tipografía debe ir acorde al estilo del mensaje, de la imagen y de la marca.

Es importante estimular la creatividad diariamente, por ellos es bueno conocer herramientas que nos faciliten dicha tarea, incluso de manera virtual.

La creatividad es una materia prima para cualquier profesión, además es una habilidad que se puede desarrollar poco a poco, por lo que aunque parezca que no se tiene dicha aptitud, siempre se puede trabajar. Por eso es importante conocer herramientas que nos faciliten a estimular la creatividad, incluso desde dispositivos móviles o plataformas virtuales.

Brainsparker

Con más de 250 tarjetas de sugerencias de creatividad simplemente a un toque de distancia, nunca le faltará inspiración creativa. Es como tener su propio entrenador de creatividad disponible 24/7, todo en una aplicación fácil de usar.

Inspiration Maps

Con esta app podrás construir hermosos diagramas, organizadores gráficos y esquemas con mucha facilidad, lo que permitirá mejorar tus habilidades de aprendizaje visual. Organizarse nunca fue tan simple.

Inflow Visual Notebook

Anote una lista de conceptos y luego reorganícelos para que encajen en la imagen general. ¡El flujo de tinta es una experiencia de toma de notas y lluvia de ideas diferente a cualquier otra! Capture sus ideas con la misma facilidad que con el lápiz y el papel, luego cambie el tamaño y reorganícelas con los dedos.

Entendemos a la tipografía como el arte de “escribir bonito”, ya sea mecánica o artesanalmente y sabemos que existen buscadores como my fonts, google font o font squirrel que tienen una extensa biblioteca, pero ¿qué ocurre cuando simplemente no encontramos una que se adapte a nuestras necesidades? Lo más sencillo sería crear una personalizada bajo los esquemas que nosotros queramos, por ello a continuación te enlistamos algunas apps para crear fuentes que te resolverán dicha problemática.

FontForge:

Se trata de un editor de fuentes gratuito y de código abierto con el que puedes colaborar o solicitas la opinión de otros usuarios. Lo mejor es que tiene versiones descargables para Windows, Mac y GNU + Linux.

FontArk:

Este es un editor online gratuito con el que puedes crear desde cero o modificar fuentes, tiene un sistema de edición de múltiples glifos en tiempo real que lo hace más versátil y fácil de usar.

Glyphr Studio:

Es una de las aplicaciones con mejor interfaz gráfica e intuitiva para utilizar; te permite importar esquemas de softwares como illustrator, o Inkscape, así como fuente en formato SVG, lo cual es muy útil si ya tienes un proyecto.

BirdFont:

Esta aplicación de escritorio es de código abierto y es compatible con Windows, Mac OS X, BSD y Linux. Sus ventajas provienen de la barra de herramientas fácil de comprender, la cuadrícula para cada letra, la posibilidad de importar archivos de Inkscape e Illustrator,además de exportarlas en formatos como TTF, EOT y SVG. Si se te complica el diseño, tranquilo, existen cientos de tutoriales para sacarle el máximo provecho.

Fontastic:

Por último queríamos mencionar una app diferente, se trata de una herramienta que diseña fuentes basadas en iconos, excelente para una época en la que los emoticones, emojis y tipografías de símbolos son una tendencia actual. Fontastic reconoce otros lenguajes de programación y modificarlos, por lo que incluso podrás variar las figuras que importaste.