Desde la antigüedad, la humanidad ha recurrido a las imágenes para tratar de explicar de una manera sintética la realidad, sus pensamientos y emociones, al grado que muchos de los primeros lenguajes fueron pictográficos.  

Actualmente, la capacidad de proyección y comunicación de un tema mediante una imagen estática hace de la fotografía, uno de los elementos más importantes dentro de la sociedad y en el Diseño Gráfico: Una fotografía bien seleccionada o captada en el momento justo puede generar un impacto visual de mayor duración, reforzar la idea de la que se está hablando e incluso contar una historia por sí sola.

Gracias a su alto nivel de iconicidad, la fotografía con fines mercadológicos ayuda a facilitar la identificación de un producto o servicio, sus beneficios, sus usos y/o el público al que se dirige, y es una parte importantísima en el posicionamiento de una marca.

Actualmente existen muchas maneras de conseguir imágenes para ilustrar las ideas que una marca comunica en sus interacciones en Redes Sociales; desde los stocks de imágenes a los que se puede tener acceso por medio de una licencia, hasta fotografías tomadas con un la cámara de un smartphone como única herramienta. Sin embargo para que una imagen logre el impacto deseado, es necesario asegurar la calidad del encuadre y tener en cuenta que cada cliente tiene un estilo editorial y características específicas, por lo que es importante apegarse a esa personalidad.

Al seleccionar una imagen identificar el tema abordado y lo que queremos reflejar es fundamental, bien dice el dicho que “Una imagen dice más que mil palabras”, y en buena medida de esta selección dependerá el nivel de impacto logrado.

En conclusión, las fotografías deben transmitir el mensaje de forma clara y directa, tener la mejor calidad posible y apoyar la estrategia del producto o servicio que buscamos impulsar. En este sentido el talento y creatividad del fotógrafo es un factor invaluable.

Desde 2009, Design Week Mexico ha sido una organización que promueve y contribuye a la escena local de diseño. A través de su programación se ha formado una comunidad creativa en la que participan principales actores de los ámbitos cultural, educativo, comercial e institucional de nuestro país. En 2018, la Ciudad de México fue Capital Mundial del Diseño bajo la temática Diseño socialmente responsable.

Por décimo año consecutivo, Design Week México (DWM) seguirá potenciando a la ciudad a través de la creatividad y el diseño que mostrará en 20 eventos y más de 100 actividades como exhibiciones, instalaciones y conferencias.

Del 10 al 14 de octubre, la plataforma líder de arquitectura y diseño del país será uno de los eventos de cierre de World Design Capital CDMX 2018, designación bianual impulsada por DWM y el gobierno de la Ciudad de México para resaltar el papel de la creatividad como agente de cambio social y cultural dentro de un contexto urbano. Será un suceso para plantear propuestas que mejoren la calidad de vida en la ciudad.

A lo largo de 10 años, Design Week México ha impulsado la creatividad y el diseño con miembros de la comunidad como arquitectos, diseñadores industriales y gráficos, interioristas, estudiantes, aficionados y público en general. Este acontecimiento ha reunido a cerca de 15 millones de visitantes en más de 20 exhibiciones e instalaciones de clase mundial en la Ciudad de México.

Una de las principales novedades para este año es que México Territorio Creativo, plataforma surgida para conmemorar la décima edición de Design Week México, mostrará la iniciativa ArchDays CDMX, creada para impulsar y promover la innovación y experiencias entre los arquitectos del país.

Arch Days CDMX busca el desarrollo profesional de la comunidad creativa resaltando que el buen diseño es parte integral de cómo nos formamos como sociedad. Algunos de los eventos consolidados por DWM serán presentados a partir de ahora por Arch Days CDMX, al igual que tres nuevos eventos de talla internacional.

DreamWorks Animation SKG celebraba recientemente su 20 aniversario. Gracias a películas como Shrek, Kung-Fu Panda o Madagascar el estudio de animación se ha convertido en una de las mayores corporaciones cinematográficas mundiales. A lo largo de este tiempo, el estudio ha creado diferentes variaciones de su logo, animando la escena del joven en la luna hasta adaptarlo a la temática de algunas de sus películas.

La historia del estudio se remonta a 1994, cuando el director Steven Spielberg, el presidente de los estudios Disney Jeffrey Katzenberg y el productor David Geffen, el acrónimo que forman sus apellidos SKG y que aparece en la parte inferior del logotipo se reunieron para fundar un nuevo estudio llamado DreamWorks Animation SKG, Spielberg quería que la identidad visual de DreamWorks fuera una reminiscencia de la época dorada de Hollywood. Este primer logo recreaba la imagen de un hombre en la luna, haciendo referencia al acontecimiento histórico de la llegada del hombre a la luna en 1969.

El proyecto recayó en Dennis Muren, supervisor de efectos visuales de Industrial Light and Magic, quien ya había trabajando en muchas de las películas de Spielberg. Sin embargo, Muren sugirió que un logotipo pintado a mano podría ser mejor. Muren pidió a su amigo, el artista Robert Hunt que lo pintase. Para este trabajo contó con la colaboración con Kaleidoscope Films, Dave Carson y Clint Goldman de ILM.

Hunt hizo una versión alternativa del logotipo de incluía la versión de un joven pescando sentado sobre una luna creciente. A Spielberg le gustó esta versión, la cual se convirtió en el símbolo más representativo de la corporación. Como anécdota, para crear al joven pescador Robert Hunt se inspiró en su propio hijo William.

Versiones del joven pescador

La primera película de Dream Works fue Amistad, sim embargo, el popular logotipo con el joven pescando en la luna no apareció hasta la presentación de The Peacemaker, en 1997. Desde entonces el estudio ha creado diferentes variaciones de su logo, animando la escena del joven en la luna hasta adaptarlo a la temática de algunas de sus películas, como Shrek, The Ring, The Cat in the Hat, Bee Movie, etc.

El recurso de adaptación del logo que utiliza DreamWorks recuerda a los doodles de Google, con la animación de su logotipo adecuándolo a ciertos eventos que se promueven gráficamente. Por su parte, DreamWorks incluye animaciones propias de la película, interactuando con alguno de los personajes que posteriormente aparecerán en la cinta o con algún recurso gráfico relacionado con el film.

Para el año pasado todo en el diseño gráfico se trataba de tomar riesgos.

Sin embargo la mayoría de las tendencias de diseño gráfico que se predijeron para el año pasado se han vuelto populares. Con marcas como Apple, Google y otros gigantes de la tecnología acogiendo tendencias de diseños únicas y llamativas.

Así que, necesitarás subir un escalón adicional, o quizás tres para ser visto y escuchando en el 2019. Esto significa utilizar paletas de colores más vívidos, fuentes en negrita y patrones futuristas.

Las mejores tendencias de diseño gráfico para el 2019 son:

Explosión de Colores Vívidos

Mientras las marcas tratan de llamar tu atención y resaltar más sobre la competencia, las paletas de colores vívidos se hacen más populares. Los colores vívidos incluyen tonos más claros que son intensos, brillantes y coloridos.

Fuertes puntos focales Tipográficos

Las fuentes en negrita proyectan innovación, fortaleza e individualidad. Además, estas fuentes se pueden leer fácilmente en un dispositivo móvil. Podrás ver las tipografías en negrita ocupando el centro del escenario en más diseños.

Influencia futurista como corriente principal

En el 2019 el futuro es ahora especialmente en el mundo del diseño. Las formas geométricas, las paletas de colores futuristas y los patrones abstractos van a causar furor.

Esquemas de colores claros y oscuros

Muchas de las empresas de tecnología más importantes están utilizando el esquema de colores claros y oscuros en su marca. Esta tendencia se está extendiendo a todos los diseñadores en general, con la creación de múltiples versiones de sus diseños con ambas paletas, claras y oscuras.

Degradados complejos y duotonos

Los gradientes y los duotonos han comenzado a aparecer desde el año pasado, pero este año van a ser mucho más creativos y complejos. En lugar de solo utilizar los gradientes para los fondos; los diseñadores encuentran nuevas formas de incorporar esas técnicas en sus diseños.

Nuevo minimalismo colorido

Generalmente, el minimalismo está asociado a un esquema de colores tenues y neutros. Pero este año, vemos surgir un nuevo minimalismo colorido. Mientras los diseños seguirán siendo simplificados y eficientes, verás más explosiones de color.

Ilustraciones dinámicas y detalladas dibujadas a mano

Las ilustraciones personalizadas y dibujadas a mano son una gran forma de hacer que tus diseños resalten. Ellos son divertidos, creativos y originales y por esta razón verás a más y más marcas optar por el arte personalizado.

Fotos almacenadas auténticas y genuinas

Aceptemoslo, vemos en todas partes fotos almacenadas que son demasiados profesionales, refinadas y generales. Ahora vemos más fotos almacenadas que lucen como si fueron tomadas con el celular o la cámara personal de alguien.

Universidad Libre de Bolzano, Italia

Es la única universidad trilingüe (Italiano, Alemán e Inglés) de Europa y está ubicada en el corazón de los Alpes italianos. Recientemente se ha clasificado entre las 10 primeras mejores universidades de pequeño tamaño del mundo.

École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs, Francia

Tiene una larga e importante historia: fue inaugurada oficialmente en 1767 por el rey Luis XV con el objetivo de mejorar la calidad de los productos industriales. La trayectoria de formación dura 5 años y para entrar es necesario superar un estricto examen de acceso con el que se puede acceder al primero, al segundo o al cuarto años . Es una escuela pública, por lo tanto, es reducido, se sitúa en torno a 650 € al año.

Central Saint Martins de la Universidad de las Artes, Reino Unido

Es una de las 6 escuelas de la Universidad de las Artes de Londres, considerada la sexta mejor universidad de diseño y arte del mundo. El plan de formación ofrecido por Central Saint Martins es interesante, ya que en ella se pueden encontrar oportunidades de todo tipo.

Universidad de las Artes, Países Bajos

En la guía holandesa de los mejores institutos de formación creativa, se sitúa en los primeros puestos de la clasificación. La universidad está compuesta por varios institutos de arte con sedes en tres ciudades de los Países Bajos: Arhhem, Enschede y Zwolle, cuyas letras iniciales están presentes en su denominación (ArtzEZ). Ofrece más de 10 cursos de estudios grados de tres años y másteres.

École supérieure des Arts Saint-Lux de Tournai, Bélgica

Fundada en 1878 en una pequeña ciudad de Belga cerca de la frontera francesa, también tiene una larga tradición. La escuela permite obtener un título de grado en artes plásticas visuales y espaciales.

Escola Massana, España

Es un instituto de artes visuales, artes aplicadas y diseño en Barcelona. Inaugurada en 1929, la escuela ofrece tres niveles de formación: formación secundaria, un grado universitario en arte y diseño de cuatro años de duración y cursos cortos para principiantes y profesionales.

ECAL, Suiza

Se ha situado a menudo entra las 10 mejores universidades de arte y diseño del mundo. Propone 6 grados de tres años de duración, 7 másteres y 2 másteres avanzados en diseño de lujo y diseño de investigación en innovación digital.

Los grados de tres años son principalmente en francés, mientras que los másteres son principalmente bilingües.

El cuerpo humano es el soporte para estas creaciones hiperrealistas a cargo de una creativa visual japonesa.

El hiperrealismo siempre había estado colocada en soportes fijos, nunca en la piel humana.

El hiperrealismo es un estilo visual que se conoce desde la década de 1960 en el arte estadounidense, aunque la búsqueda por alcanzar la apariencia más cercana posible a la realidad visual ha sido una constante desde el surgimiento de las ates visuales a través, por ejemplo, del Renacimiento, El Manierismo o el Barroco.

La creativa visual japonesa Hikaru Cho aplica maquillaje en la piel humana y logra perspectivas, sombras y profundidad de campo de una manera sorprendente para crear imágenes que lo mismo juegan al hiperrealimos que logran imprimir conceptos surrealistas.

¡Hola! me da gusto saludarlos, mi nombre es Alexa soy originaria de Monterrey N.L. tengo 19 años y actualmente estoy estudiando Diseño y Comunicación Gráfica.

En este blog estaré mostrando un poco sobre mi portafolio que he desarrollado durante mi carrera, como así mismo hablando de temas en general del diseño.